Harmony and Dissonance: Orphism in Paris, 1910–1930 в музее Гуггенхайм

 

До 9 марта проходит в Нью-Йорке одна из самых интересных и значительных выставок  осенне-зимнего сезона 2024-2025 годов.  .    Я имею в виду выставку Harmony and Dissonance: Orphism in Paris, 1910–1930  в музее Гуггенхайм.  Само название этой выставки призывает посетителей поинтересоваться, что же такое этот орфизм… 

Год назад в галерее  прошла совершенно без рекламы и шума выставка замечательной художницы,  яркой представительницы этого течения Сони Делоне.  Я писала про эту выставку вот здесь https://newyork4rus.blogspot.com/2024/05/bard-graduate-center.html

И вот теперь  работы   Сони висят  вместе с картинами других замечательных  художников, таких как  ее муж Робер Делоне, Марк Шагал,  Марсель Дукамп и других.

 Выставка эта представляет не столько какого-то конкретного художника или их  группу, сколько знакомит  зрителей с этим очень любопытным  направлением французской живописи первой половины 20 века. 

В начале XX века Париж был крупнейшим центром художественной жизни в Европе.   В 1912 году  в парижской галерее «Ла Боэси», прошла  выставка  творческого объединения под названием Section d'Or -  «Золотое сечение»,   основанного годом ранее в Париже.  

Золотое сечение - это соотношение двух неравных чисел, при котором большее так же относится к меньшему, как сумма этих чисел к большему. Золотое сечение равно примерно   1,62  и обозначается греческой буквой   «фи» — от имени древнегреческого скульптора Фидия. Считается, что он использовал такие пропорции при оформлении Парфенона.

  Художники, скульпторы, архитекторы   назвали  это число божественной пропорцией и стали использовать в произведениях искусства, чтобы добиться идеальной композиции, наилучшего сочетания всех элементов произведения.

Связь между музыкой и живописью казалась естественной  многим  художникам.  Художник, с их точки зрения, использовал цвет и форму так, как композитор использует ноты.   

 На    этой выставке  в Париже  чешский художник Франтишек Купка  ,   почти всю жизнь живший   во Франции, показал картины «Аморфа. Фуга в двух цветах» и «Аморфа. Теплая гамма».    Живопись Купки действительно вызывает аналогии с музыкой.   Об этом говорят и многие названия картин, "Ноктюрнов" или "Фуг".   

Близость музыки к живописи не прошла   незамеченной.  Гийом Аполлинер, французский писатель и поэт,    написал  о новых тенденциях в живописи и отнес  работы  Купки   к орфизму — искусству, в котором цвет уже не является только лишь окраской или даже световой транспозицией, но и не обладает символистским значением, так как он сам является формой и светом изображенных вещей.

Так появился термин «Орфизм».  Само слово Орфизм произошло от имени  древнегреческого поэта и музыканта Орфея. Согласно легенде, Аполлон подарил ему лиру, и так прекрасна была музыка Орфея, что дикие звери, птицы, даже камни являлись его послушать, очарованные волшебной мелодией.  Про Орфея и его любовь к Эвредике слагали поэмы, писали оперы.   Про Орфея слагали строфы  Бродский и Брюсов, Ходасевич и Рильке… 

 И вот появилось новое направление в живописи  - орфизм.  Один из основоположников нового течения  Робер Делоне  называл свои произведения симультантными (от латинского simul — вместе, одновременно), то есть основанными на совместном использовании контрастных цветов.  Делоне вместе со своей женой Соней провозгласил первичность цвета над сюжетом - это первый случай в истории искусства, когда художники начали ставить цвет и свет выше сюжета. 

,

,

 Вот что писала газета New Yort Times  в своей  статье  в  1913 году :

  “Ordinary persons may take a long time to accept Orpheism [sic] as an art, but it seems likely that of all the new art cults this will probably win the palm of beauty, instead of being decried as the creation of a disordered imagination.”

 Однако оптимистическое предсказание газеты не сбылось… Через год началась война . Аполлинер  в начале 1916 года был  ранен шрапнелью и через два года скончался.

В 1936 году директор-основатель нью-йоркского Музея современного искусства  МОМА Альфред Дж. Барр-младший включил орфизм в свою знаменитую диаграмму которая отслеживала,   как различные направления  современного  искусства  влияют друг на друга.  Диаграмма охватывала  работы художников начиная с 1980  по 1935 год.   Орфизм был единственным направлением, которое в соответствии с этой диаграммой вело в никуда… 

  Может быть эта выставка в   музее Гуггенхайма , который позиционирует ее  как первое углубленное исследование орфизма , призвана изменить эту точку зрения…  

«Мы хотели представить появление абстракции в Париже в преобразующий и оптимистичный момент времени, когда множество инноваций изменили концепции времени и пространства», - сказала   куратор выставки Вивьен Грин.  «Хотя история искусства обычно рассматривает многих из этих художников по отдельности или небольшими группами,   эта выставка дала нам возможность      соединить транснациональное созвездие фигур (многие из которых не были французами) и изучить общие черты и различия между ними.»

 Выставка закрывается 9-го марта.   Музей открыт ежедневно с 10:30  до 5:30.  По понедельникам и субботам    4до 5:30 плата  по желанию. 

https://www.guggenheim.org/exhibition/harmony-and-dissonance-orphism-in-paris-1910-1930

https://news.artnet.com/art-world/guggenheim-orphism-2585065

29 января 2025 года наступил год змеи. Маленькая выставка в Метрополитен-музее

 29  января 2025 года начался  год змеи.  И причем не просто змеи,  а деревянной зеленой змеи…   Про 12 зверей китайского календаря знают все.  Есть очень симпатичная легенда, которая объясняет,  почему тот или иной зверь был выбран покровителем каждого года в календаре. 

  Легенда эта  гласит,   что мудрый правитель   решил создать календарь, состоящий из двенадцати знаков, и для этого он устроил соревнование среди животных. Он пригласил всех участников на праздник, но чтобы определить их места, животные должны были переплыть реку.

Первой пришла крыса, которая переплыла реку на спине быка  и первой прыгнула на берег.  Бык занял второе место, а тигр, несмотря на свою силу, оказался третьим. Кролик, которому помогла утка, стал четвёртым. Дракон, который помогал людям, страдающим от засухи, был награждён пятым местом. Змея, напугав лошадь, пришла шестой, а лошадь — седьмой. Обезьяна, коза и петух добились восьмого, девятого и десятого мест благодаря совместным усилиям. Собака пришла одиннадцатой, а последней оказалась свинья, которой   хотелось и поесть  и поспать…

Еще  имеется всего пять   элементов  - металл, дерево, вода, огонь и земля. И каждому из этих элементов присущ только один цвет . 

В этом году  животное- это змея, элемент- дерево, а цвет- как всегда у дерева- зеленый.  В китайской мифологии богиня — создательница человечества Нюйва изображается как существо с головой человека и телом змеи.

В честь празднования  китайского нового года   в Метрополитен-музее сейчас проходит выставка змей – конечно, не живых… 

  На этой выставке  представлена небольшая  подборка работ из коллекции музея. Количество представленных работ так мало, что я, на прошлой неделе побывавшая в музее, с трудом эту выставку нашла.    Мне кажется, что изображение змеи  встречается на Востоке значительно чаще, чем изображения многих других животных…

 Выставка работает до 10 февраля

https://www.metmuseum.org/exhibitions/celebrating-the-year-of-the-snake

Вот эта фигурка мне больше всего понравилась

Art Deco City. Выставка открыток в Museum of the City of New York

Art Deco City: New York Postcards from the Leonard A. Lauder Collection.   Ах, какие  слова сплелись в названии выставки … Ар-Деко и Лаудер…Конечно, прежде чем про саму выставку рассказать, хочу и про ар-деко и про Лаудера поведать  тем, кто читает  мои посты.   

 В этом 2025 году исполняется сто лет  Международной выставке декоративно-прикладного искусства и современной промышленности, которая прошла в Париже.  

Это событие сыграло ключевую роль в развитии стиля ар-деко,   хотя сам термин появился много позже.   В выставке участвовало 20 стран, и естественно доминировала страна-хозяйка.  А США  не приняли участия в этой выставке…  У СССР был свой павильон, а у   Америки нет… .

 Условие, которое в конечном итоге дисквалифицировало американское участие, заключалось в том, что ни один дизайн не может быть основан на исторических стилях — все должно было быть исключительно современным. Говорят, что тогдашний министр торговли США Герберт Гувер объяснил, что в Соединенных Штатах нет современного искусства. 

Министерство торговли США назначило комиссию для посещения выставки и подготовки отчета. В отчете, вышедшем в 1926 году, говорилось, что США явно неправильно поняли цель выставки и что хотя бы какое-то участие в выставке все-таки должно было быть... хотя бы в память о    франко-американском союзе военного времени.

16 миллионов зрителей посетило эту выставку и  среди них были  сотни американских дизайнеров, художников, журналистов и  просто туристов  .     Эти посетители были  поражены увиденным.       И они вернулись назад домой и решили,  что им и в США надо попробовать воплотить в жизнь те идеи и принципы, что они подчерпнули на этой выставке.  Так появился в США стиль ар-деко… И название этого нового  стиля  произошло от названия выставки в Париже Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes. ( последняя согласная буква по правилам произношения в французском языке не произносится)  Архитектура ар-деко процветала в Нью-Йорке в 1920-х и 1930-х годах.   Арт-деко встречается в правительственных зданиях, коммерческих проектах и жилых домах во всех пяти  районах. 

Вот на этой карте  можно нью-йоркские здания, построенные в стиле арт деко  найти https://ny.curbed.com/maps/nyc-art-deco-architecture-map

Теперь хочу рассказать про   владельца коллекции Леонарда   Лаудера. Леонард     миллиардер, филантроп, коллекционер произведений искусства. Он и его брат Рональд Лаудер являются единственными наследниками косметического состояния компании Estée Lauder, основанной их родителями, Эсте Лаудер и Джозефом Лаудером, в 1946 году  .   В 2021 году Леонард был  44-м  самым богатым человеком планеты. 

 Уже не первый раз я пишу про выставки  работ из его коллекции.   Летом 2024 года я побывала на выставке  плакатов   The Art of the Literary Poster в Метрополитен-музее:

https://newyork4rus.blogspot.com/2024/06/blog-post.html

 А в далеком 2013 году, когда я еще вела свой блог на английском,   я написала коротенький пост про замечательную коллекцию  кубизма, подаренную Лаудером Метрополитен-музею. Коллекция эта  оценивалась  более чем в 1 миллиард долларов и представляла  собой один из крупнейших подарков в истории музея.

http://www.bigapplesecrets.com/2013/04/new-yorks-metropolitan-museum-of-art.html

Вот что сказал в одном из интервью Леонард:

Я был увлечен искусством столько, сколько себя помню. Подрастая, я собирал старинные открытки, а когда учился в средней школе, то пожертвовал коллекцию этих открыток в музей. Можно считать, что моя страсть к коллекционированию искусства началась еще тогда. 

  Лаудер еще в школе  заинтересовался открытками, которые  тогда  ( дааавно… ) были более дешевым способом общения, чем телефон. «Там была открытка с надписью: «Увидимся сегодня за обедом». Если вы отправили открытку до девяти утра, она была доставлена до полудня», — рассказывал Лаудер . «Это было письмо дня». 

Его коллекция росла, Лаудер хранил открытки в коробках из-под обуви.      «Мои родственники  считали меня странным, и я всегда был странным», — сказал он. «Я считаю это не оскорблением, а комплиментом».

Взрыву интереса также способствовали  стандартизированная международная почтовая система и новые макеты открыток. На ранних открытках адрес и изображение располагались на одной стороне. Позже адрес переместился на обратную сторону карты, в результате чего лицевая сторона осталась открытой для изображения большего размера. В результате открытки стали предметом коллекционирования, и последовало всемирное повальное увлечение.

Были открыточные клубы. Был обмен открытками. Были журналы с открытками. Эти вещи существуют и сегодня», — сказала Линда Клих, доцент истории искусств Хантер-колледжа и куратор коллекции открыток Лаудера.

  Лаудер  родился и жил в Нью-Йорке . Он ходил в Нью-Йоркский музей современного искусства МОМА  один или два раза в нед   «Между любовью к маленьким открыткам и любовью  к  бльшим картинам Пикассо не было разделения», — вспоминал он. «Тот факт, что я заплатил пенни за маленькую открытку и едва мог позволить себе даже рамку Пикассо, не имел никакого значения». Сейчас в коллекции Лаудера  более 150 000  открыток 

Я в детстве тоже собирала открытки и даже привезла часть своей коллекции собой… И таки да, она  хранилась у меня сначала в коробке из под обуви- уж очень размер этой коробки походящий…

На выставке в музее  представлены    более 250 открыток из коллекции  Лаудера , а также предметы декоративно-прикладного искусства, моды, фотографии, рисунки и архитектурные модели. 

Выставка чудесно  оформлена и практически безлюдна. Музей  открыт каждый день( не часто у нас в городе такое встречается)   .  Для жителей New York State плата по желанию. По средам музей бесплатен для всех!  Выставка открыта  до 17 февраля .   

 Музей   Museum of the City of New York  находится на уровне 103 улицы на 5 авеню. 

https://www.mcny.org/exhibition/art-deco-city-new-york-postcards-leonard-lauder-collection

Becoming Bohemia: Greenwich Village, 1912–1923 . Выставка в библиотеке на 5 авеню

  

  В главном здании Нью-Йоркской библиотеки на 5 авеню до начала февраля  проходит совсем небольшая выставка под названием Becoming Bohemia: Greenwich Village, 1912–1923 . Тема, затронутая на этой выставке бесспорно заслуживает больше, чем эти две небольшие комнаты, в  которых разместилась выставка.   Но и эта небольшая экспозиция подталкивает людей к дальнейшему чтению и исследованию..  Как подтолкнула меня! 

Про одно только названием этой выставки можно много чего написать… Сначала  скажу пару слов про происхождение самого слова Богема.  Французское слово  boheme (цыгане) появилось после миграции во Францию в XV веке цыган из чешской Богемии.  

Французский писатель  Анри Мюрже в своём романе «Сцены из жизни богемы» («Scenes de la vie de Boheme») описал   быт студентов Латинского квартала в Париже, где он сравнивал его с бытом кочующих цыган…   Отсюда и название.    

А потом этот роман послужил основой для знаменитейшей оперы  Пуччини «Богема».  

К 1870 году сфера влияния богемы ограничивалась Латинским кварталом, затем в нее попал весь Париж. В конце XIX столетия слово богема стало использоваться как нарицательное для описания людей искусства, чей  образ жизни и   манера поведения не укладывались в рамки привычных представлений . С наступлением ХХ века из явления чисто французского богема превратилась в феномен мировой культуры.

В дореволюционной России центрами притяжения богемы были кабаре «Бродячая собака» и театр миниатюр «Летучая мышь», в Париже — «Café de Flore» и «Les Deux Magots», а в Нью-Йорке -  целый  район, где жили и творили десятки тысяч представителей  богемы.    

Эта книга у меня на полке стоит... Я ее даааавно купила, пролистала но так и не удосужилась прочитать..

Есть несколько версий происхождения названия этого района.  В соответствии с первой  версией название Гринвич-Виллидж происходит от голландского слова Groenwijck, что означает «Зеленый район».  Вторая версия гласит, что  этим названием   район обязан британскому   морскому офицеру Sir Peter Warren, у которого в Англии    было поместье под названием  Greenwich. Овдовев, жена офицера назвала так то место в Нью-Йорке,  где они жили. 

Начиная с 1910х годов   район этот превратился в место,  где стали жить  люди творческих профессий, которые не были согласны с классическим мейнстримом.   Они хотели бастовать против всего… Они провозглашали первенство импровизации, а не опыта, важность индивидуальности, а не идентичности. Богема того времени была чрезмерно активна, пыталась изменить американскую культуру и жизнь в целом.    Greenwich villadge  было то   место, где   художники, поэты, писатели актеры  могли свободно выражать свое мнение без давления конформизма, налагаемого на них все еще довольно консервативным обществом.  

В   годы  первой мировой войны и нескольо позже Гринвич-Виллидж стал символом отказа от традиционных ценностей. Здесь собирались те, для кого традиционная модель, в которой они выросли, стала настолько пустой или искаженной, что они больше не могли продолжать ее часть и подчиняться навязанному ею социальному контролю. 

По приезде в этот район,  молодые люди стремились объединиться с другими в какие-то клубы, кружки.  Карьера, продвижение по службе их совершенно не  интересовали…   

  Современное искусство, постоянные эксперименты, критика нынешней культуры и интеллектуальное инакомыслие вдохновляли их отказаться от общепринятой морали и правил . 

 И вот моменту зарождения этого странного и очень интересного явления  и посвящена выставка в библиотеке.

 Откровенно говоря , мне на этой выставке понравилось больше всего три вещи.  Во первых, ее оформление. На стенах нарисованы портреты тех самых  знаменитостей, которые жили  в этом районе. И нарисованы они очень стильно..   К сожалению, я по своей необразованности очень мало имен  знала. 

,

Во вторых, на стене висит большая карта  Гринвич Вилладж, где отмечены интересные места . Я эту карту долго рассматривала... 

И в третьих, эта выставка подтолкнула меня к дальнейшему исследованию этого замечательного- особенно в прошлом - района. 

 Выставка эта открыта до  1 февраля.  В воскресенье  выставка  открыта только 4 часа- с 1 дня до 5 вечера . Зато в субботу- с 10 до 6,  а во вторник и всреду- аж до 8 часов вечера! 

https://www.nypl.org/events/exhibitions/becoming-bohemia-greenwich-village-1912-1923